I. INTRODUCCIÓN

Barroco es el periodo comprendido entre1600 y 1750. Está flanqueado por el Renacimiento y el Clasicismo. Los acontecimientos musicales que lo enmarcan son Orfeo, primera ópera del italiano Claudio Monteverdi (1607), y la muerte de Johann Sebastian Bach (1750) cual genio indiscutible de la época.

Contexto histórico
Sumidas en luchas políticas y guerras, las monarquías absolutas dominan el panorama político europeo. El poder en manos de la aristocracia y la Iglesia muestra su autoridad organizando grandes espectáculos donde la música está presente. Surgen los mecenas de los artistas, que son acogidos por las cortes y palacios de más renombre.

Contexto cultural
El Barroco es época de gran fecundidad cultural, artística y científica. En ella se dan cita personajes tan importantes como Lope de Vega, Calderón, Corneille y Moliere en literatura; Velázquez, Murillo, Rubens y Rembrandt en pintura; y Galileo Galilei, Torricelli y Newton en ciencia.
Barroco significa recargado, excesivo o adornado, y dado que en dicho período es común encontrar arte donde no queda rincón vacío, el afán por rellenar fue denominado Horror Vacui (miedo al vacío).
El hombre barroco no persigue la belleza como el renacentista, sino que fundamenta su pensamiento en torno a dos aspectos opuestos: Razón y Sentimiento.
La razón que busca la lógica y el aspecto científico del todo; y el sentimiento humano, evidente en todos los campos pero más primado en la música y dentro de ella en la ópera.

Contexto musical
El concepto barroco, racional—sentimental, se hace muy patente en la música donde encuentra la codificación de los parámetros musicales (ritmo, tonalidad) como sistema para ordenarla y racionalizarla. La frase de J. P. Rameau considerado fundador de la armonía moderna lo constata:
"...la música es ciencia que debe disponer de reglas bien establecidas; dichas reglas deben derivar de un principio evidente, principio que no puede revelarse sin ayuda de las matemáticas...."
Además, se crean técnicas nuevas —monodía acompañada, contrastes tímbricos, uso de dinámicas— para expresar de modo sublime los sentimientos. Y la ópera será el género que mejor los exprese.

A.- CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA
El lenguaje musical adopta novedades tan peculiares que brindan al Barroco sonoridad característica.

Monodía
Los compositores barrocos consideraron excesiva la complejidad del contrapunto renacentista, incapaz de expresar patrón sentimental alguno. Por ello, una de las innovaciones fue la monodía acompañada (melodía única asociada a los instrumentos). Técnica que permitió hacer comprensible el texto y transmitir a su través cierta expresividad mayor. La ópera fue el campo donde se reiteró su empleo.

Bajo continuo
Línea de notas graves interpretada ininterrumpidamente desde el inicio hasta el final de la canción. La melodía principal es acompañada por las notas sencillas del bajo, mientras el intérprete improvisa sobre las mismas, manteniendo su estructura y creando durante toda la obra cierto armónico cambiante. Los instrumentos protagonistas del bajo continuo son comúnmente polifónicos: órgano, clave y arpa.

Tonalidad y ritmo
El Barroco establece la tonalidad tal y como hoy se conoce. Formula tratados de armonía que establecen normas estrictas sobre las tonalidades y la formación de acordes. Además, en la escritura musical del XVII se generaliza el uso de los compases. La música resultó plenamente medida y sin atisbo de ritmos libres.

Estilo concertato
Técnica empleada principalmente en la música orquestal, basada en contraponer planos sonoros y timbres diferentes de un grupo instrumental (tutti, concertino, soli). Es recurso que brinda mayor expresividad musical.

B.- PERIODOS DE MÚSICA BARROCA
Para analizar la música barroca definimos tres sub-periodos.

Primer Barroco
Ocupa la primera mitad del XVII. Predominio de la música vocal sobre la instrumental. Los compositores realizan los experimentos armónicos que forjarán posteriormente la música tonal, fruto en cierto modo del germen de la ópera. Se rechaza el contrapunto renacentista. Compositores destacados: C. Monteverdi, J. Peri y G. Frescobaldi en Italia; y M. Praetorius en Alemania.

Barroco Medio
La música instrumental gana terreno y rivaliza con la vocal. Se abandona gradualmente la música modal y hay cierto retorno al contrapunto. Compositores relevantes: H. Purcell en Inglaterra y J.B. Lully en Francia.

Barroco Tardío
La música instrumental predomina sobre la vocal. La tonalidad queda plenamente establecida. Figuras representativas: A. Vivaldi y D. Scarlatti en Italia; J.S. Bach, G.F. Haendel y G.P. Teleman en Alemania.

D.- DESARROLLO DE LOS TEATROS
Al final del XVII la creación de los primeros teatros públicos constituyó la novedad que tanto influiría en el desarrollo de la música. Hasta entonces, quien desease escuchar música tenía que acudir a la iglesia o ser invitado —posibilidad bastante remota fuera de la nobleza— a las celebraciones de la alta sociedad. Esto cambió cuando a surgieron teatros y salas de conciertos abiertas a todo el público bajo pago de entrada. A partir de este momento el campo de la música se abre a toda la población, que ávida de su consumo acoge la idea con gran satisfacción. Los teatros y salas de conciertos de las ciudades importantes se multiplican y codean con las salas de los aristócratas. Algunos ejemplos:

Francia
Durante el reinado de Luis XIV, gran aficionado a la música, se construye en París el fascinante palacio de Versalles donde se estrenan obras de J. B. Lully, mejor compositor barroco francés destacable en ballet.

Inglaterra
Londres fue una de las primeras ciudades europeas con teatros públicos. En 1661 inauguró uno dedicado exclusivamente a la ópera. En sus centros musicales destaca H. Purcell con la ópera Dido y Eneas.

Italia
País a la cabeza de la ópera y los teatros públicos. La Venecia de 1637 (con 140.000 habitantes) tenía 17 teatros y varios centros religiosos donde se interpretaba música.

España
En la primera mitad del XVIII disfrutó intenso ambiente musical; en la corte de los reyes españoles se dieron cita músicos italianos de gran renombre, como el castrato Farinelli y el compositor D. Scarlatti. Se construyen teatros y salas de conciertos como el Coliseo del Buen Retiro, el Teatro de la Granja y el de los Caños del Peral (actual Teatro Real).

II. MÚSICA RELIGIOSA
Introducción
Perdida ya su hegemonía, la música religiosa sigue teniendo gran importancia en el Barroco. Tanto la iglesia protestante como la católica aprovechan las innovaciones de la música profana y generan nuevas formas.
Una de las técnicas más desarrolladas por dicha música es el policoralismo, especialmente propio de la escuela veneciana. Técnica surgida en la iglesia de San Marcos (Venecia) cuyo espacio arquitectónico permitió la colocación de dos coros contrapuestos. En Roma evoluciona exigiendo varios coros dispuestos en distintos lugares de la iglesia. El ejemplo más espectacular es La misa de la catedral de Salzburgo, compuesta para 53 voces ubicadas en distintas posiciones en todo el perímetro de la iglesia. Su composición se atribuye a Orazio Benevoli.
Mientras la iglesia católica cultiva los motetes y las misas, la protestante mantiene el coral como forma más representativa. Las novedades de la música barroca se aplican a estos géneros.

Hay además tres géneros nuevos en este periodo: Oratorio, Cantata y Pasión.

Oratorio
Especie de ópera religiosa con sus mismas secciones (arias, coros, interludios, recitativos) que tiene como similitudes la gran extensión y el carácter dramático, aunque goza las características propias siguientes:
Los textos son religiosos, normalmente extraídos de la Biblia.
No se escenifica.
Se interpreta en lugar de culto sagrado.
Agrega la figura del narrador que mediante recitativos explica la acción.
Compositores principales: G.F.Haendel con El Mesías, su oratorio más conocido; y J.S.Bach, con Oratorio de Navidad y otras obras.

Cantata
Cantata significa música para cantar y surge en contraposición a la sonata o música para sonar. Género propio de la música vocal profana destinado a ser interpretado en los salones de la aristocracia. Sin embargo, los músicos de la iglesia protestante lo convirtieron en forma musical religiosa, cambiando su texto, que en adelante se basa en fragmentos del Evangelio, salmos y demás temas religiosos.
La cantata tiene los mismos elementos musicales que el oratorio pero se diferencia de éste en que es más breve. Las melodías suelen estar divididas en frases que finalizan en calderón (influencia del coral).
Compositores destacados, J.S.Bach con su cantata 147 (Jesús la alegría de los hombres), y a G.P.Telemann.

Pasión
Oratorio que trata exclusivamente de la Pasión y Muerte de Jesucristo, inspirado en los Evangelios. En cuanto a su forma, también tiene recitativos, arias, coros e interludios. La figura del narrador es el evangelista que mediante recitativo relata todos los acontecimientos. Los personajes importantes del Evangelio son interpretados por solistas mientras los demás (discípulos, pueblo) son interpretados por el coro.
El compositor más destacado de este género es J.S.Bach con las obras fundamentales Pasión según San Mateo y Pasión según San Juan.

III.- ÓPERA/MÚSICA PROFANA
Introducción
En Florencia surge a final del XVI el grupo de artistas e intelectuales financiados por el conde Bardi. A este grupo se le conoce como Camerata Fiorentina. Artistas contra el desarrollo polifónico logrado por las composiciones del Renacimiento, cuya complejidad ocultaba lo esencial de la música: conmover al oyente y provocar en él todo tipo de sentimientos.
Realizan el trabajo de investigación que retoma las raíces de la música griega y llegan a la conclusión de que la música griega era monódica y con acompañamiento instrumental; música que estaba cargada de gran expresividad. Basándose en estos principios nace la técnica de la monodía acompañada, base fundamental de la ópera posterior. Los artistas de la Camerata buscan el género capaz de abarcar todas las formas artísticas posibles y lo denominan "obra de arte total”. Así la ópera reunirá las distintas artes (poesía, música, teatro, danza) bajo una sola forma.
La ópera se convierte en el género más representativo de la época porque logra gran expresividad merced a la unión ideal de la música con la palabra, y se consolida como la forma protagonista en los siglos posteriores.

Origen de la Ópera
La ópera es el género musical profano surgido en Italia a comienzos del XVII. Su antecedente más significativo son los Entremezzo, pequeñas actuaciones musicales desarrolladas durante los intermedios de los dramas teatrales. Estos intermedios fueron adquiriendo importancia y extensión hasta confirmarse autónomamente como un nuevo género musical.
La primera ópera de la que hay noticia es Dafne, de Jacobo Peri, estrenada en 1597; pero no se conserva en su totalidad. En 1600 se estrenaron dos versiones de Eurídice, una de J. Peri y otra de G. Caccini.
Pero Monteverdi crea Orfeo en 1607 C. y se confirma como la primera gran ópera que cumple todos los requisitos técnicos y estructurales a desarrollar en años posteriores. Esta obra es referencia para todos los compositores que lo suceden.

Además el propio Monteverdi crea La coronación de Popea y El retorno de Ulises que alcanzan gran fama.
Este género fue tomando grave importancia en toda Italia y varias ciudades se convirtieron en capitales operísticas (Roma, Venecia, Nápoles), añadiendo cada una sus propias innovaciones. El resto de Europa, excepto Francia que creará su propio género, adoptó el estilo operístico italiano.

Partes de la Ópera
En la ópera cabe distinguir las partes siguientes:
1. Obertura
Parte inicial de la ópera. Es instrumental. Normalmente breve, hace de introducción al espectáculo. La música comienza con el telón cerrado, y éste se abre en el transcurso de la obertura para que los espectadores tomen contacto con el escenario.

2. Recitativos
Partes cantadas por solistas que desarrollan la acción. Para hacerlas verosímiles se realizan sobre textos casi declamados y sin adornos. Hay dos tipos de recitativo: Secco (con acompañamiento sólo de bajo continuo) y Acompagnato (con acompañamiento de orquesta).

3. Arias
Partes más importantes y llamativas de la ópera. Realizadas por solistas, la acción se detiene para que el cantante exprese sus sentimientos y luzca su voz. Máximo exponente de la monodía acompañada.

4. Coros
Fragmentos donde canta numeroso grupo de personajes.

5. Interludios
También denominados ritornellos, son las partes instrumentales intercaladas entre los fragmentos anteriores.
Además de los apartados referidos, en la ópera también puede haber dúos, tríos, cuartetos y agrupaciones superiores (octetos) de voces.

En la ópera participaban muchísimos personajes: músicos de la orquesta, solistas, cantantes de coro y extras sin canto. Los castrati fueron en ella personajes sobresalientes.

Tipos de Ópera
Hay dos grandes tipos de ópera:
1. Ópera seria
Basada en argumentos mitológicos y heroicos. Primer tipo de ópera y preferido por la aristocracia dado su refinamiento. Muy compleja argumental y técnicamente. La primera ópera, Orfeo, pertenece a este tipo.

2. Ópera bufa
Posterior a la seria y con argumentos cotidianos y de fácil comprensión. Sin gran despliegue de medios, es la preferida por el pueblo porque es más asequible económicamente y fácil de entender para todo tipo de personas; el argumento pleno de crítica social a las clases poderosas es en ella bastante típico. La primera ópera de este género, titulada La Serva Padrona, fue escrita en 1733 por G.B. Pergolesi.

Además distinguimos las características adquiridas por la ópera en los distintos territorios donde se desarrolló:
Francia
Se denomina Tragidie Lyrique. Las características principales son la introducción del ballet en del espectáculo y gran despliegue de medios en sus creaciones. El compositor más importante es J. B. Lully.

Inglaterra
Sienta sus bases con Dido y Eneas, la ópera de H. Purcell estrenada en 1689.

Alemania
Aunque también van a desarrollar ópera seria, el género Singspiel parte de la ópera bufa italiana y alcanza gran desarrollo.

España
Se creará el género denominado Zarzuela cuya característica más significativa es la sucesión de partes cantadas y habladas.

IV. MÚSICA INSTRUMENTAL
A.- INTRODUCCIÓN
La música instrumental barroca logra la autonomía total iniciada en el Renacimiento. En este desarrollo desempeñarán papel decisivo la evolución técnica de los instrumentos y el nacimiento de la orquesta como grupo organizado. Los intérpretes se especializan inducidos por la complejidad que este tipo de música adquiere y surge la figura del virtuoso.
Con tal desarrollo los compositores logran la máxima expresividad en sus obras.

En función de las agrupaciones instrumentales que las interpreten, se dan tres formas musicales:
1. Música para instrumentos solistas
Los compositores escribieron para un instrumento concreto, elegido por sus cualidades técnicas y timbre. Las piezas para instrumentos solistas permitieron gran virtuosismo al intérprete, que lucía en ellas su habilidad técnica y expresividad musical. Uno de los géneros más importantes en música solista es la Fuga —forma contrapuntística por excelencia— desarrollada por J.S.Bach. Los instrumentos solistas destacables son el órgano, el violín y el clave.
2. Música de cámara
Interpretada por dos o más instrumentistas, nunca un grupo numeroso. Música intimista para ser interpretada en salas pequeñas. Género preferido por la nobleza. En dicho tipo musical un instrumento realiza los acordes del bajo continuo mientras los demás interpretan distintas melodías.

3. Música para orquesta
La orquesta es el conjunto de instrumentos de las tres familias. Hasta entonces no se indicaban los instrumentos que debían interpretar cada parte de la obra porque no había normas reguladoras del número ni de la composición de la orquesta; así, la elección de los instrumentos dependía de las circunstancias y posibilidades del concierto. A partir del XVII los compositores especificaron en la partitura cuántos y cuáles eran los instrumentos que debían interpretar cada parte. Uno de los primeros hacerlo fue Claudio Monteverdi, que indicó incluso la colocación de los músicos para interpretar su obra Orfeo.

B.- FORMAS DE LA MÚSICA ORQUESTAL
A mediados del XVII surgen las grandes formas instrumentales barrocas que marcan no sólo este periodo sino toda la música posterior.
1. Suite
Forma compleja compuesta por la sucesión de danzas con carácter distinto. El número y disposición de las danzas varía. Aunque hay suites para un solo instrumento, esta forma se desarrolla más como música orquestal. J.S.Bach es uno de los principales compositores de esta forma.

2. Sonata
Significa música para sonar o interpretada por instrumentos. Es forma compleja desarrollada en cuatro movimientos contrastados en su tempo. Fue establecida por Arcángelo Corelli.

3. Concierto
Término derivado de concertare, que quiere significa contraponer cosas distintas. Es forma compleja normalmente con tres movimientos contrapuestos en cuanto al tempo. Según los instrumentos intervengan, el concierto puede ser:
1. Concerto grosso
Que establece alternativamente el contraste entre el grupo de solistas (concertino) y el resto de la orquesta (tutti). Destacan los Seis Concerti Grossi de Haendel y los Conciertos de Brandenburgo de J.S.Bach.
2. Concerto a solo

Compuesto para un instrumento solista que contrasta con la orquesta. Destaca A.Vivaldi a quien se atribuyen más de 300 conciertos para solista, como Las Cuatro Estaciones escritos para violín.

C.- INSTRUMENTOS BARROCOS
En el Barroco destacan los instrumentos:

Familia de Viento
Oboe, que aparece en Francia hacia 1650 como adaptación a la chirimía renacentista.
Clarinete, que comienza a construirse a principios del XVIII.
Órgano, instrumento más espectacular del Barroco. J.S. Bach desarrolla su técnica de modo sobresaliente.
Familia de Cuerda
Violín, que alcanza su apogeo. Los mejores luthiers —Stradivarius— construyen los mejores violines de la historia. La familia de cuerda frotada —violín, viola, violonchelo y contrabajo— es la protagonista principal de la música barroca.

V.- DANZA BARROCA
La aristocracia europea se prodigaba lujos y grandes fiestas. Para celebrar acontecimientos, organizaba festines donde música y danza eran imprescindibles.
El famoso maestro de baile Feuillet creó en 1700 el primer sistema de notación de danza de la historia. Gracias a ello conservamos más de 350 coreografías de salón y teatro de la época. La danza fue adquiriendo paulatinamente la reglamentación que dio lugar a la Danza Clásica.

Las danzas bailadas en los salones europeos eran básicamente las del Renacimiento (pavana, gallarda, branle). Pero a partir de 1600 surge el Minué como danza nueva que dominará el periodo. Como casi todas las danzas, tiene origen popular proveniente del baile campesino propio de la región francesa de Poitou. Es danza tranquila escrita en compás ternario. Se baila en parejas, que deben salir al centro del salón y saludarse ceremoniosamente. A medida que evoluciona su coreografía, las parejas se intercambian. Los movimientos, muy sobrios y refinados, exigen mantener el cuerpo muy erguido mientras los bailarines se desplazaban de izquierda a derecha y desde adelante hacia atrás creando trayectorias en forma de Zeta.

VI.- COMPOSITORES DESTACADOS
Los compositores más destacados de esta etapa son:
BACH, Johann Sebastian
CORELLI, Arcangelo
FRESCOBALDI, Girolamo
HAENDEL, Georg F.
LULLY, Jean-Baptiste
MONTEVERDI, Claudio
PERGOLESI, Giovanni Battista
PURCELL, Henry
SCARLATTI, Alessandro y Domenico
VIVALDI, Antonio